Estoy trabajando sobre la distinción entre fotógrafos “amateurs” y fotógrafos “profesionales” para una presentación que tengo, junto con Elisenda, en Berlín a final de mes.
Por lo visto, históricamente, la escisión (entre amateurs y “artistas”) se dio con la emergencia de las cámaras de bajo coste y de uso sencillo (léase Kodak 1) y su difusión masiva (antes todos eran amateurs). Un grupo de “esos amateurs”, comandados por Alfred Stiglitz, decidieron “separarse” y lo que hicieron fue “juntarse” (nótese el uso de ambas palabras) con “artistas” (plásticos, escultores, etc.). El resumen  (porque en realidad fue un complejo entramado de alianzas y creación de sentidos) es que, con el tiempo, se crearon dos “asociaciones” (en el sentido amplio); la de artistas (curiosamente no les gustaba que les llamaran fotógrafos sino artistas), reunidos en “sociedades”, con revistas, contactos con museos, galerías;  y la de fotógrafos amateurs (que tenían su base en los “clubes fotográficos”). Después se “profesionalizaría” el oficio y vendrían los foto-reporteros, fotógrafos de modas, productos, etc. Esta es la versión resumida y cutre, lo importante es la distinción que se generó a principios del siglo XX y que perduró, según mi hipótesis, hasta que llegaron las redes sociales y las cámaras digitales, que están problematizando la división. ¿Por qué? pues básicamente por 4 razones:

1. Porque la difusión del trabajo “amateur” pudo “cortocircuitear” los canales de distribución-poder que habían instituido los profesionales (la gente puede “exponer” su trabajo en Internet con un costo mínimo y sin gatekeepers).
2. Porque la fotografía ya no es sólo fotografía sino diseño y hay gente que, aunque no hace una fotografía perfecta, maneja los programas de postprocesado de manera increíble.
3. Porque Internet (aunque no sólo internet), ha hecho que los “clubes de aficionados” obtengan una dimensión y una escala que antes no podrían haber tenido. De esa manera;  los trucos, los tips, las enseñanzas, las redes y la puesta en común, hacen que más de un “aficionado” pueda vender, exponer, etc. Incluso, las empresas tradicionales de fotografía están implementando sistemas para captar a esos fotógrafos, ya ha sido ampliamente comentada la alianza entre Getty Images y flickr.
4. Porque una gran cantidad de personas, que  en otro momento, o de otra forma, no hubiera participado en clubes de aficionados, ahora puede hacerlo sin ningún tipo de trabas espacio-temporales o de costos.

Ahora bien, una de las cosas interesantes, que surge de los comentarios de los fotógrafos con los que he estado haciendo mi trabajo de campo, es que por lo visto se está abriendo un “nuevo mercado fotográfico”. Por un lado, el número de personas que tienen el equipo y la habilidad técnica suficiente como para hacer fotografías con una calidad respetable está creciendo. Por otro, el trabajo profesional tiene un costo muy elevado que no está al alcance de todos y para todo tipo de trabajos. Esta situación, combinada con la constante exposición y crítica fotográfica en sitios como flickr, hace que los fotógrafos aficionados puedan generar un nicho de mercado (y que no sólo  es el de CCB como le llaman los fotógrafos: Comuniones, Cumpleaños y Bodas). Un artículo, en la Revista Británica de Fotografía, apuntaba que, mientras los profesionales cobran por adelantado una calidad y un tiempo determinados, a un precio fijo, los fotógrafos “callejeros” pueden fácilmente vender sus trabajos ya terminados como productos elaborados.  Y esto es justamente lo que parece estar pasando a gran escala, que fotografías ya hechas y procesadas, pueden ser adquiridas en ese gran “mercado” que abre Internet.

Este es un ejemplo claro de cómo la compleja relación con la tecnología, transforma grandes porciones de la vida cotidiana, no de manera determinista y directa, sino a través de múltiples procesos y prácticas que convergen, emergen y se empalman.

No he podido escribir mucho en el blog y, lo que cuente hoy, será una buena explicación de por qué no lo he hecho. Cuando surgió la idea de venir a Oxford, una de las cosas que más me ilusionaba era la “vida universitaria”, que, además, en una universidad como ésta, adquiere dimensiones alucinantes. Describo el día de hoy.

9:00 Lo cotidiano: despertar, bañarse, desayunar, abrigarse, salir….

10:00 Seminario de Antropología Visual con Marcus Banks. Se establecieron diversas trayectorias de la historia del cine etnográfico y se propuso que una historia basada en “películas pioneras” no era tan útil como plantear el “contexto sociológico que hizo posible el cine etnográfico”. El seminario me resulta “refrescante” y hace que cada día me sienta más cercano e interesado por la antropología.

10:57 Salir corriendo del Pitt Rivers Museum rumbo al OII para el seminario de doctorado.

11:00 Seminario de doctorado en el que se presentaron los trabajos de dos estudiantes. El primero sobre innovación y privacidad en nuevas arquitecturas de Internet. El segundo, un análisis comparativo de no-usuarios de Internet en Suecia, Reino Unido y Alemania. Proyectos ambiciosos y con alto grado de complejidad metodológico (pero con un poco menos de “chicha” teórica, uno porque va iniciando, el otro porque está en con). Por demás interesante la crítica a los “focus groups” como metodología, básicamente se planteó que no es una técnica confiable.

1:00 Almuerzo con Amaru, un estudiante boliviano de la maestría del OII. Uno de esos latinoamericanos, comprometidos, inteligentes y conectados que estudia en Europa. Hablamos de Evo Morales, de las izquierdas latinoamericanas, del colonialismo y de las transformaciones cognitivo-políticas en los indígenas bolivianos.

2:00 Segundo día de seminario con Castells sobre su libro “Communication Power”. Se discutió sobre los movimientos sociales y su articulación mediante el uso de las tecnologías. Le pregunté por su “atrevimiento” con la ciencia cognitiva y la neurociencia. Se habló de los escándalos políticos y la política del escándalo, etc. Lo que queda claro es que, alguien como Castells, que tiene tesistas por todo el mundo, tiene información de primera mano a nivel global. A estos niveles, esto se convierte en una especie de Amway académico en donde él está en lo alto de la pirámide.

5:30 Conferencia de Mohan Munasingh (tuve que escoger entre escucharlo a él o a Jeffrey Sachs que daba otra charla a la misma hora). Ver a este tipo de personas siempre resulta inspirador, no sólo porque escuchar inteligencias de este nivel siempre pone a funcionar al cerebro sino porque algunas de sus ideas son sencillamente geniales y hablan de un activismo intelectual. Algunos ejemplos sueltos: Munasingh propone que existen tres elementos que se interrelacionan y que tienen que analizarse en conjunto para lo que el llama “Sustainomics“: Manufactured Capital, Social Capital y Natural Capital. Estos tres factores tienen que incluirse en cualquier análisis económico de costos-beneficios. De esta forma, el análisis ambiental y social, puede hacer que una empresa o negocio, no resulte rentable si el impacto que causa es contabilizado como parte de los costos de producción. La idea es sencilla pero poderosa (y yo la estoy hipersimplificando claro está). Pero lo que más me llamó la atención es que, un tipo que se habla de tú con primeros ministros, no sólo propone soluciones globales (por ejemplo el que las emisiones de carbono de los países ricos se paguen con proyectos ambientales en países en desarrollo, y, además, compartiendo las ganancias con dichos países), terminó la charla con propuestas locales y específicas. Por ejemplo, la incorporación, en las etiquetas de productos, el “análisis del ciclo de vida” para que los consumidores tengan la información del impacto ambiental y social de dichos productos y, de esta manera, puedan hacer un consumo responsable y esto coadyube a “cambiar sus mundos”. Y además, utilizando un par de imágenes de Menzel todo resultá más claro.

7:00 Pasar al súper para comprar leche y zumo

8:00 Intentar escuchar (ya no aspiro a verlo) el partido del Barça y escribir este post.

Me quedan un par de lecturas por hacer e intentar, una vez más, dormir.

Cuando era niño, tuve mis 3 o 4 segundos de fama cuando, quizá por un error de producción, el yo que era en ese entonces apareció en un  tremendo close-up en el programa de Bozo, eran los setenta, era la televisión. Muchos años han pasado desde entonces y las canas me colonizan cada vez más. Vivimos tiempos 2.0,  y subiendo, y ahora esto de salir en televisión ya no es tan “cool” como aparecer en los rankings de Youtube.

Pues bien, gracias a la inefable confianza, y “extreme marketing”, del buen compa Fernando, conocí a Cristina, quien encarna (la palabra en español es horrible en realidad) como nadie que haya conocido, lo que es una productora de cultura del Siglo XXI (así en sentido extenso). Gracias a esa carambola dospuntocerezca amistosa, acabé teniendo mis 6:02 segundos de fama (contando la cortinilla). Si atentemos a Warhol, todavía me quedan otros 8:58 que espero tener la oportunidad de tener algún día. Por lo pronto, gracias a Cristina, al equipo de la Malla y a Fernando por darme la oportunidad de “salir en la televisión”

P.D. WordPress no me deja incrustrar el video y eso quizá signifique que ya tendría que comprarme mi propio dominio. En cualquier caso, es más divertido que lo vean “in situ”.

In his talk at the Leeds Visual Methods Conference, Marcus Banks talked about what he called “slow research” and criticize the way “research timing” was dictated by grants, projects, publications and so forth. The book of Turkle, that I just read,  would not be possible to be written for a single, fixed time. It required maturation, long weaving and time to be “cooked”.

Simulation and its discontents is an empirical, anecdotic and, I would even say “cute” history of the implementation of simulation technologies at the MIT (which is in many ways the “lab” of the cutting edge technology use in education). She talks about architects, civil engineers, physicist and chemists and how, in their different fields, they have developed an understanding, relationship and use of simulation technologies. Nevertheless, Turkle’s thoughts could be expanded to almost all technologies in knowing practices and it will definitely be interesting that some of the big gurus that are always talking about the new gadget, tool or platform, read this book and their own writing in a critical way. I found the book fascinating not only for what it shows me but for what it made me think about our own practices. I don´t think about me as be part of that group of  “2.0 cool scientists” but I can´t help sometimes be myself and apologist of technologies. And mostly, I can´t imagine my own research without using so many of them. Turkle says: “The more powerful our tools become, the harder it is to imagine the world without them” (p. 8).  So, she suggests that: “Professional life requires that one live with the tension of using technology and remembering to distrust it. (p. 10) and it seems that we have forgotten this quite often. At least it seems to me that we´re trying to catch the trendiest wave and be the first to name it (3.0, 4.0, 5.0, who gives more?) instead of stepping on the break and think about the use of current technologies and their possible “collateral damage” to our knowledge practices.

Turke, without these words, talks about the “engineering” of our tools and how we learn to trust them (very close to Labour’s work actually): “Students had no choice but to trust the simulations, which meant they had to trust the programmers who wrote the simulations. (p. 18). She interestingly gets to the same point all over her work (remember life on the screen and the Disneyland crocodiles?):

“Screen versions of reality will always leave something out, yet screen versions of reality may come to seem like reality itself. We accept them because they are compelling and present themselves as expressions of our most up- to-date tools. We accept them because we have them. They become practical because they are available. So, even when we have reason to doubt that screen realities are true, we are tempted to use them all the same.” (p. 17)

Great and easy reading that starts with a question and ends with an answer:

“We began with a question inspired by Louis I. Kahn: “What does simulation want?” We have seen what simulation seems to want— through our immersion, to propose itself as proxy for the real. (p. 80)

I just finished the reading of the paper Mediated ethnography and the study of networked images — or how to study ‘networked realism’ as visual knowing of Anne Beaulieu and Sarah de Rijcke, that they presented at the Visual Methods Conference. What I would try to do now is to relate some of their thoughts with my own work in the spirit of exchange and share. I’ll do it in a personal and reflexive way more than to establish an academic critic of their work (which I found fascinating and useful).

The relationship between STS studies and research in cultural domains seems to be a difficult and  it has not been more explored (cfr. Couldry). In my own work I have tried to set a link between cultural production and the role of technology in its shaping. While there seems to be several works from STS that relate photography with technology (de Rijcke, Meyer), they all are settled in institutional and organizational environments. Therefore, the changing and shaping of image technology seem to be goal oriented since this use is framed by the institutions whose borders are relatively easy to trace. On the other hand, there is a huge corpus of research in photography as a cultural object. Not only related to the aesthetics but also many works that are interested in the circulation and “institutionalization” of those images, for example in the art field (Becker, Bourdieu). There is also a third corpus that reflects on the “impact” of new photographical technologies in the changing of society (for example how the Kodak Brownie camera created a new form of photography: the snapshot). My trouble is that these three fields are disconnected from each other and I need elements of the three of them to explain my fieldwork. The first (STS) is very aware of the mutual shaping between technologies and practices but lacks to incorporate the content, meaning and aesthetics of the images in their analysis. And also, they don’t seem to be interested in how people put their desires and tastes in the creation and circulation of those images. The second corpus (that we could call cultural circulation or social uses of photography) is concern precisely with these elements in order to understand the creation of visual elites and power, but seems to have a naive approach to technologies that make this possible. The third one (Social impact), is too technological deterministic and barely useful in an ethnography of the mediations.

With the emergence of digital technology, a greatest “networked complexity” is added to the equation.

While Beaulieu and de Rijcke’s “networked image” strategy is very powerful (they study images with a three-element analysis: interface, infrastructure, and interaction), I personally need, for my work, another set of tools that combines: meaning, performance and identity. My first disagreement with their approach is their use of the concept of “database”. It presents problems for my own work since is too fixed. In their research, a database seems to be an organized set of images with a clear goal and “function” inside the institutions they are working with. In my case, a random and self-created group in flickr, doesn’t have that concept or “structure” (at least in the first place). For my group, photos (meaning the practice of getting together to take them, the actual production of them, the sharing and the commenting in each other’s) are not a way to achieve a common goal (empower a certain style or themselves as an aesthetic group, to sale pictures or even to improve their skills) or to have an organized “collective memory” or “visual taxonomy” of nothing. They just want to share a practice they enjoy with other people that enjoy it too (the interesting part is that, while they do this, in the end, there are several achievements completed, the most important of all perhaps could be the group identity).

Sarah and Anne, in their fieldwork, point that they feel like:

missing out on some of the practices that are going on. When we have been successful in engaging people as they sit behind their screen, we have at times felt incapable of taking down in our notes the richness and complexity of practices. We have also tried to do these interviews together, and also to take photos, but we came away from these experiences feeling like we had actually missed a lot. (p. 4)

One of the things that it is clear for me is that I wouldn’t be able to have access to the deepness and richness of my group’s practices if I didn’t became “one of them”. Just one example to set this: the extraordinarily complex relation and engagement between statistics (number of views, comments, favourites) which are a measure of social recognition and success and the visual shaping of photography. This is not only a matter of content (what is photographed and how) but of the tools used to create that content (lens, photoshop filters, framing, light, etc.), the way it is “advertised” (post it in several groups, in other sites, the use of tags, etc.) and the social interaction around that image. As we can see, there are not only humans/nonhumans, nor technological/societal. There are infrastructure, interaction, interfaces and also meanings and desires. Distributed and networked agency technologically mediated. Only with interviews, or only with “desk” or “screen” ethnography, the richness of these practices would have been lost. Albeit I definitely need the screen(s), the desk and the interviews, I think, at least for me, that I also needed the playing of the game.

The third thing that it doesn’t seem to fit in my work is their concept of “Knowledge practices” (that clearly comes from their STS background). What I need is more a study of Communication-interaction-connection-visual production-identity practices BUT, combined with with their analysis of the images: “in terms of their historical context, taking into account the technologies needed, the practices around the images, the institutions in which they are put to work, and how these images circulated” (p. 1)

La semana pasada estuve en un congreso sobre métodos (de investigación) visuales. La charla inaugural estuvo a cargo de Claudia Mitchell. Ella habló de su trabajo en África y cómo, con algunos ejemplos de campo, las imágenes hechas por jóvenes, habían logrado “transformar” algunos de los graves problemas de su cotidianeidad (la falta de seguridad en los baños escolares, la violencia sexual contra las mujeres, etc.) al ser vistas por las autoridades que tomaban decisiones. Otra de las cuestiones ampliamente discutidas en el evento fue la ética de la investigación con imágenes; el derecho a la privacidad de los informantes, la responsabilidad que tenemos, como investigadores e investigadoras, de salvaguardar su integridad, etc.

Justo al final de la semana, recibo tres o cuatro correos preguntándome “si había visto el video del metro”. Preocupado por no entender de qué hablaban, busqué lo que había pasado en la famosa estación de Balderas (de la que cantaba Rockdrigo), vi el video de principio a fin y el horror iba creciendo en mi mientras la cámara se mantenía impasible, inmóvil, frío testigo, ventana del drama.

Mientras que por un lado se discute ampliamente la postfotografía, la muerte de la función indexical de la imagen y la imposibilidad de su uso para la (re)presentación de la realidad, por otro lado, las cámaras de videovigilancia van creando una memoria de lo cotidiano (de sus muchos horrores y sus pequeños placeres): el video de la chica ecuatoriana golpeada por un estúpido en un tren en Madrid, este otro grabado en el DF, una golpiza en Alemania. En fin, una larga lista de “éxitos de youtube”. Una colega que vive en Nueva York me contaba que muchas tiendas están colgando en la pared las fotografías de personas robando, extraídas de los videos de vigilancia, en una especie de “galería pública del desagravio”. Si todas las imágenes de las CCTV pudieran estudiarse, los que hacemos investigación visual quizá tendríamos otra visión del mundo.

Si bien es cierto que los medios tienen (o al menos dicen que tienen) códigos deontológicos, la verdad es que mostrar escenas de cámaras de “seguridad” en la pantalla del televisor o el monitor de tu propio ordenador es como darte una dosis de terror sin anestesia alguna y en cantidades industriales. Una imagen RAW de la realidad en alta resolución. Me pregunto ¿dónde queda la privacidad de la persona que es asesinada? Que su intento e intención haya sido heroica ¿basta para que sus hijos, sus nietos, sus amigos, su familia, tengan que retener en sus retinas y sus memorias estas imágenes para siempre? Estas imágenes nunca pasarían un comité de ética para presentarse públicamente en un congreso. Sin embargo, los medios las amplifican de una manera estruendosa y estremecedora, la combinación de videovigilancia y omnipresencia mediática nos habla de que la imagen, como índice, esa que estaba muerta, dista mucho de estarlo, en todo caso, ha sido apropiada por los poderes para su propia conveniencia. Ahora bien, me pregunto (y quiero pensar) el que hayamos visto estas imágenes, como sociedad ¿nos hará cambiar algo en nuestra vida cotidiana? Espero (por nuestro bien), que, como en los ejemplos con los que inicié; Sí.

(parece que soy de los  últimos pero aquí va el copy-paste). Este martes en el marco de la  Feria Internacional del Libro de Montevideo, Roberto Balaguer presentará el libro: ”Plan Ceibal: los ojos del mundo en el primer modelo OLPC a escala nacional”. Roberto, además de ser gran amigo, es un luchador incansable en el estudio de estos temas (además de ser quien me enseñó lo que “mexicanear” significa en Uruguay).  Este libro es una de sus iniciativas y reúne a académicos provenientes de diferentes países: Argentina, México, España, EEUUy por supuesto: Uruguay cuna del Plan Ceibal, el OLPC uruguayo. Es un placer y un honor compartir el índice con tantos, y tan queridos, colegas y amig@s.  

 El indice del libro:

1. Roberto Balaguer (Uruguay) “Plan Ceibal: Los ojos del mundo en el primer modelo OLPC a escala nacional”.

2. Fernando Garrido (España) “¿Otra vez el mismo error? OLPC, Determinismo Tecnológico y Educación”.

3. Edgar Gómez Cruz (México) “Domesticación de la Tecnología: una aproximación crítica al proyecto de OLPC”.

4. Tíscar Lara (España) “Aprender a ser ciudadano desde las prácticas digitales”.

5. Guillermo Lutzky (Argentina) “La Escuela Digital, un cambio obligatorio paralos modelos 1 a 1”.

6. Mónica Baez-Graciela Rabajoli (Uruguay) “La escuela extendida. Impacto del Modelo CEIBAL”.

7. Alicia Kachinovsky (Uruguay) “La Universidad de la República en tiempos del Plan Ceibal”.

8. Octavio Islas (México) “Retos que representa la enseñanza en el imaginario de la “Generación Einstein”.

9. Cristóbal Cobo (México) “Aprendizaje de código abierto”.

10. Raúl Trejo Delarbre (México) “Un niño para cada laptop”.

11. John Moravec (EEUU) “¿Y ahora, qué?”.

12. Miguel Brechner (Uruguay) “Los Tres Si”.

Disclaimer

No es mi área de conocimiento ni mi estilo de escritura pero me aventuraré con este texto freestyle. Cobijado, espero, por mi trabajo de campo y mis reflexiones personales. Los expertos en la materia perdonen la intromisión.

No citaré ni a Barthes, ni a Benjamin, ni a Bourdieu, ni a Wells, ni a Sontag, ni a Freeman, ni a Berger, más que nada para no comprometerlos. Pero los he leído a todos y espero algo se me haya pegado

Alguien me dijo con respecto a una imagen: “me tomó una foto”, y yo pensé, quizá valga la pena elaborar, a nivel teórico, la distinción entre eso y “me fotografió”. Apunto algunas cosas que pienso describen cada acción para después articularlas en una reflexión más cercana a mi trabajo.

Fotografiar

Quien fotografía no sólo establece una relación técnica con la “realidad” a través de un dispositivo de visión, opta por ello con consciencia y reflexividad. Al hacerlo, se mira a sí mismo. Lo que está en juego no es sólo la re-presentación de lo que se fotografía sino la percepción personal sobre ello. La re-interpretación de lo que se ve mediante lo que se percibe. Las decisiones de encuadre, luz, momento (¿decisivo?) y el objeto a fotografiar son todas decisiones que conectan el ojo con lo que se fotografía a través de la cámara. Esta conexión pasa por la cabeza, por el corazón, y, en muchas ocasiones, por las vísceras).

Fotografiar es convertir el acto de hacer “click” en un pronunciamiento sobre la vida. Fotografiar es buscar una intención, es plasmar, en ese pequeño cuadro resultante, no sólo un momento que dura fracciones de segundo, sino un deseo de abandonarse, de entregarse a él. Mediante una ecuación de reciprocidad, esa entrega también busca poseer, perpetuar, eternizar. Para fotografiar no hace falta una cámara, basta la intención de dicha posesión, basta con el ojo, incluso con la imaginación. Muchos de los fotógrafos con los que he hablado lo dicen: “me gustaría tener una cámara integrada al ojo para poder fotografiar las cosas que veo y que me interesan”. Quien fotografía está por encima de la técnica, la domina sólo para obtener resultados más cercanos a lo que imagina. Lo que desarrolla es una forma de mirar el mundo, de entenderlo de manera visual, de encuadrarlo, de organizarlo, de darle una continuidad espiritual basada en la visión. Quien fotografía, genera una nueva ontología para los objetos de sus imágenes. Se basa, no en uno, sino en todos los sentidos, en su intuición y en su necesidad de trascender el momento y reformularlo a través de una práctica. Cuando esa mirada, esa interpretación y esa complicidad, es clara, se solidifica en la imagen resultante junto con el objeto fotografiado. Como el perfume que flota en el aire después de que haya pasado quien lo portaba, dejando una prueba inequívoca de su presencia. Cuando se fotografía, en la imagen casi puede sentirse la respiración de quien hizo click, los pensamientos que cruzaron por su cabeza, su cuerpo transmutado en la cámara, sus deseos, su relación, real o imaginada, con el objeto.

Los artistas quizá sean los que han llevado al extremo esta conexión, los que han desarrollado esta mirada que, cuando es refinada, deviene en estilo, en concepto, en autoría. Esa forma de interpretar e interpelar, de entregarse y poseer, de pensar y sentir, de dialogar e interpretar, de SER. Esa necesidad de mirar, de sensualizar la visión y de crear un mundo más acorde con el que imaginamos.

Tomar una foto

Tomar una foto es un automatismo de la cotidianeidad de la memoria. Es únicamente el proceso mediante el cual, una persona, activa un dispositivo de captura de imágenes. Para quién toma una foto, la cámara es transparente, no existe sino como una herramienta necesaria para guardar lo que se ve y que es lo único que importa. El tomar una foto es el proceso que, con un “click”, hace que se pueda recordar lo que se ve. No busca una posesión perpetua sino una recolección inmediata. No busca una trascendencia continua sino sólo una presencia utilitaria. Son las fotos de las fiestas, donde lo importante es que aparezcan todos los que están frente a la lente; son las fotos de los teléfonos que se ven en la calle y que se quieren recordar para marcarlos más tarde; son las cosas que nos divierten y que queremos compartir. Más que sensualizar la realidad de lo que se fotografía, el tomar una foto busca comodificar dichos objetos, convertirlos en paquetes de información intercambiables y transferibles. Como esas papeletas que se reparten por la calle y que, después de ser leídas, terminan en la basura. Tomar una foto no establece una continuidad con el pasado y no busca necesariamente un futuro, es una suerte de presentismo del mirar. De ahí que el turismo requiera de la fotografía, lo que se busca no es aprehender el lugar que se visita sino comprobar, mediante una foto, que se ha estado ahí. Las postales, o las fotos de personas con edificios famosos detrás, se plantean como una colección de momentos del presente que se pueden esgrimir como pruebas fehacientes de la presencia de quien es fotografiado, no del fotógrafo (muchas de las fotos que consideramos importantes de los viajes, fueron tomadas por desconocidos de quienes no sabemos nada). Para tomar una foto no se necesita ni corazón, ni alma, ni deseo, ni vísceras, se requiere sólo de un ojo que se asegure que lo que se busca aparezca en un cuadro y un dedo en movimiento.

Tejido

Parecen ser dos regímenes de visión distintos, sin ningún juicio de valor que los evalúe, sino sólo por una descripción de la práctica que conlleva cada uno.  Lo que parece interesante es que, cada vez más, personas se incorporan a uno y a otro (o a ambos). Los dispositivos tecnológicos con los que contamos permanentemente (teléfonos móviles con cámara), permiten estar permanentemente conectados con cualquiera de los dos. Posibilidad tradicionalmente reservada para profesionales, ahora al alcance de cualquiera.  Aquella distinción no sólo era socio-cognitiva sino técnica. Los que fotografiaban tenían equipos profesionales, los que tomaban fotos sólo requerían una cámara que funcionara. Y sin embargo, en la actualidad, existen cortocircuitos, caminos dobles, juegos. Gente que usa una cámara de dos mil euros (sólo) para tomar fotos de sus hijos en sus cumpleaños, personas que experimentan con formatos y técnicas y hacen de la lomo o el Iphone, un aliado perfecto para la práctica de fotografiar.

Por otro lado, las plataformas de difusión también parecen trazar fronteras (que también se cruzan continuamente, sin pasaportes). Todas las personas que utilizan tanto flickr como facebook lo tienen claro: flickr es para fotografías “serias” y facebook es para fotografías de “fiestas y chorradas”. Generalizando (y simplificando), con base en esta distinción hecha por mis informantes, se podría decir que flickr es para quien fotografía y facebook para quien toma fotos. Aunque, algunas veces, sea en facebook donde se exponga lo que se fotografía, y en flickr donde se muestren las fotos que se tomaron.

Preocupado como me quedé desde las reflexiones del otro día, comentándolo con un profesor me pasó un texto titulado: The Coming Crisis of Empirical Sociology de Savage y Burrows (2007). En él, los autores plantean que “en la época del Capitalismo del conocimiento (Knowing Capitalism, concepto de Thrift, 2005), los sociólogos no han pensado adecuadamente los retos que se abren a su conocimiento debido a la proliferación de “datos de transacciones” que rutinariamente se recolecta, procesa y analiza por una gran cantidad de instituciones públicas y privadas”. El análisis parte de una anécdota en la que unos investigadores presentaban los resultados de un “gran” estudio empírico en el Reino Unido cuyos datos habían sido obtenidos por una encuesta postal, unas 900 respuestas. Uno de estos orgullosos investigadores, al hablar informalmente con otro, supo que el interlocutor contaba con todos los datos de todas las llamadas telefónicas que se habían hecho en el Reino Unido durante varios años. Millones y millones de datos:

Our concern is that in the years between about 1950 and 1990 sociologists could claim a series of distinctive methodological tools that allowed them to claim clear points of access to social relations, but in the early 21st century social data is now so routinely gathered and disseminated, and in such myriad ways, that the role of sociologists in generating data is now unclear. (p. 886) (perdón que no traduzca las citas pero tengo demasiado trabajo)

Aunque no lo dicen tal cual, su análisis sugiere que la sociología, con la encuesta representativa y la entrevista en profundidad como principales mecanismos de obtención de datos, “ha dejado de ser “punto de paso obligado” para un gran número de agentes del poder, y por lo tanto un recurso importante para el conocimiento de lo social. Esto debido a las movilidades, los cambios, las transacciones y los flujos que componen la vida social contemporánea.

Ponen más ejemplos: Amazon, Tesco, etc. argumentando que estas empresas: “can hence bypass the principles of inference altogether and work directly with the real, complete, data derived from all the transactions within their system” (p. 891).

Obteniendo de esta manera, un conocimiento de lo social mucho más potente (¿total?) que cualquier representatividad.

Terminan el texto claramente, con una advertencia en forma de invitación:

If we see the power of contemporary social knowledge as lying in its abilities to conduct minute description, we can better situate our concerns as exposing these descriptions, challenging them, and presenting our own descriptions. In such a process we need a radical mixture of methods coupled with renewed critical reflection. Such a call for a descriptive sociology does not involve sole reliance on narrative but seeks to link narrative, numbers, and images in ways that engage with, and critique, the kinds of routine transactional analyses that now proliferate. Rather than seeking refuge in our own, internal debates, this involves casting our net wide, critically engaging with the extensive data sources which now exist, and not least, campaigning for access to such data where they are currently private. Through this means, we can renew the critical project of sociology by challenging current practices in the collection, use, and deployment of social data. (p. 896).

Un par de años más tarde, responden a algunas críticas que recibió su artículo con otro titulado: Some Further Reflections on the Coming Crisis of Empirical Sociology (2009) en el que proponen que, en lugar de abrir viejos debates de lo cuantitativo vs. Lo cualitativo:

What we need to recognize is that social research circuits now proliferate so extensively, using such a variety and range of methods, that we need to place our own internal sociological squabbles on one side and collectively consider how we deal with the fundamental challenge of dealing with the proliferation of social data. (p. 765)

Y, como lo planteaba en el post pasado, hablan de que estos nuevos circuitos del conocimiento sobre lo social, no tienen las restricciones éticas, políticas o económicas de las universidades y centros de investigación. La pregunta sigue en el aire y sigue siendo pertinente; y ahora, ¿qué hacemos?

P.D. Por cierto, si los sociólogos deberían estar preocupados, los “comunicólogos” ya deberían ponerse a estudiar otra cosa directamente.

“Once the world has been photographed. It is never again the same” (Fred Ritchin)

I just finished the book “After Photography” of Fred Ritchin. Somebody told me, about this book, that it was the “On photography” of the XXI century. Although I enjoyed it very much, I would say is more the “Being Digital” of photography. Ritchin, deeply knower of the photography insights, stands from the point of view of the mainstream photography, especially the photojournalism, and discusses the future possibilities of digital photography. Although an extraordinary book from the journalism point of view, and a serious commitment voice with the possibilities that digital photography could bring for the critical social media, it seems that his analysis lacks something which I think is the main force in the changing of the social meaning of photography: the people and their cameras in the everyday life.

Is not that he’s not aware of this, but he is more interested in the mainstream media and the “serious” photography. Even more, I felt that, at least in his book (I just started to follow his blog), he still talks like if photography was just one universal thing. This is one of the conclusions so far in my research, to think about “photography” doesn’t make sense anymore, even with the “traditional” labels (photojournalism, artistic, snapshot, etc.), and pushing it little further even genres are getting blurred (portrait, landscape, etc.). Photography is many things, not just one. He acknowledges this when he points:

The digital photography potentially will be so thoroughly linked to a multiplicity of media, both as recipient and producer, that communication of whatever kind becomes more important than the singularity of the photographic vision. The pixelated photograph’s ephemerality on the screen and its easy linkage, as well as the impression that it is just one communicating strategy amount many, reduce the individualized impact of the photograph as it appears on a piece of film or paper. Rather than as “photographers” for the most part these kinds of image-makers will be thought of simply as “communicators (p. 146)

But there’s something that I think deserves more attention. It has been said many times that photography, because of the digital technology and the manipulability of the files, has lost its connection to “reality”. Ritchin, talking about documentary photography says:

If documentary photographs cannot be trusted at least as a quotation, from appearances, then photography will have lost its currency as a useful if highly imperfect social arbiter of occurrences, including the accidental and the spontaneous, ad have become  a mere symbol of spin (p. 31)

And although this is true in many ways, and he talks of a very specific use, at the same time, the world has never been so real, partly, precisely because of photographs. Hundreds and hundreds of people are “sharing” their “visions” with their “social networks”, almost like sharing “real life”, and sometimes in “real time”. They are photographing their personal and raw everyday life. It is not a coincidence that the Iphone has become the most used “camera” in flickr, my theory on that is very simple; with the Iphone, you can send the photos right away. Like the same Ritchtin points: “we too live in multiple spaces, talking to and seeing images from distant friends and acquaintances while walking down the street, the experiences merging” (p. 19). And I would add: “seeing and sending images”. Again, what is on the stage is the “social meaning of photography” and, probably, in the near future; editors, artists and professionals will have to negotiate it with the common people using cellphones to photograph their cat.

Breaking news:

Well, it seems that now the Ipods will have a camera too, this is about to get interesting.

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